Diario de Rodaje "Seis contra Seis"(1) Arrancamos...el partido es nuestro

Mañana Sábado comienza una nueva aventura y parece todo listo para que solo nos quede una misión: Disfrutar.

Creo que en el mundo del cine lo que más se agradece, por encima de estar trabajando en algo que nos apasiona, es el equipo de rodaje con el que cuentas. Si en el rodaje de "La Tama" lo que me asustaba era el no conocer a nadie de antemano (al final me enamoré de cada uno de los integrantes del equipo), en el caso de 6 contra 6 uno va a tiro hecho y con la tranquilidad de saber que el trabajo va a estar bien hecho.

Este proyecto con el que Marco y yo llevamos trabajando meses comienza a coger sentido cuando cada departamento se une y va aportando ideas y sugerencias que no hacen más que enriquecer cada línea de guión. Mi agradecimiento hacia todos vosotros es eterno, este corto tiene mucho miga para todos los departamentos y algunos que han tenido poco tiempo de preparación han hecho viable muchos planteamientos que nos asustaban en un primer momento.


Desde el blog quiero escribir cada uno de los días que pasamos en rodaje y poder compartir anécdotas, batallas artísticas y muchas risas. Ahora toca sudar la camiseta, pero sabiendo que llevamos muchos puntos de ventaja y que hacemos el mejor equipo posible.



3,2,1...

Las capas de Rothko en la Tate

Siempre se genera la misma batalla sobre el arte de vanguardia cuando hablamos de pintores estilo Pollock, Miró o Rothko, ¿cualquiera podría ser capaz de hacerlo?.

Aunque todos ellos inician sus pasos en la pintura con una etapa más figurativa, su fase de abstracción es la que les lleva a la fama o el reconocimiento. Pues bien, si con ello no fuera suficiente, ¿como justificar algo tan a primera vista sencillo como una obra de arte de estos reconocidos autores?.

En la TATE modern gallery de Londres, durante estas semanas se realiza una amplia exposición sobre el pintor norteamericano Rothko que nos descubre las claves de su pintura. Es cierto que muchos de los artistas que emergen a mitad del siglo XXI tienen gran parte de su esfuerzo artístico (o justificiación de su arte) en los manuales de procedimientos o en la intención extra conceptual (fuera de la obra), a Mark Rothko le sería necesaría una capa diferente de entendimiento de su obra: los rayos ultravioleta que descubren un trabajo auténtico y de gran reflexión.

Las obra expuestas, sencillas en un primer vistazo, van enganchando conforme uno se acerca a ellas y explora los bordes o las capas que lo configuran. Observaciones con luz natural que pierden fuerza si conseguimos verlas tras la proyección de los rayos ultravioletas. La Tate presenta en una de sus galerías una breve exposición (sobre rayos uva) del alto contenido de capas, meticulosamente diseñadas, que Mark Rothko elaboraba para cada uno de sus cuadros. Numerosas capas que con la luz natural son imperceptibles para el visitante. Lo más curioso de todo, y quizás ahí emerga un arte todavía más tímido, es que el artista siempre defendio el ver sus cuadros a través de la luz natural.

Cuando uno observa las enésimas pinceladas, la orientación de estas o el límite imperfecto de las líneas verticales y horizontales de cambio de color, queda conquistado por la obra de este artistísta prolífico de los años 50, 60 y 70.

Como obra más destacable de la exposición, al margen de los conocidos murales de de las 4 estaciones, aparece triste pero con un componente único, los diferentes cuadros negros elaborados para la capilla de North Walls en Houston. Todo un atrevimiento oscuro, que marca una completa ruputura con la paleta de colores utilizadas hasta la fecha.

Las grandes dimensiones de las obras de Mark Rothko ponen de manifiesto la importancia que el siempre dió a la obra de arte, enunciando: " Pintar un cuadro pequeño siginifica posicionarte a ti mismo fuera de la experiencia. Sin embargo, si pintas algo grande, estas en el. Es algo que tu no puedes dominar".

Discos eternos (1): Grace - Jeff Buckley

Quizá las estaciones marquen pasos en los ritmos musicales. Ahora que estamos más cercanos del edredón o la estufa que de los pantalones cortos, uno termina por pasar tardes acompañado de discos que emanan calor.

El caso de Jeff Buckley trae consigo un aura especial por ser de esos artistas que murieron cuando apenas habían públicado en vida un solo trabajo. Un único álbum que ha sido referente para numerosos músicos de hoy en día y que apuntaba hacía un genio más de la historia de la música.

Pero en este caso, la historia que suele estampar a los genios en sus páginas por muertes accidentales, sobredosis o asesinatos, se llevo a Bucley ahogado con apenas un puñado de canciones como legado. Muchos siguen preguntandose que hubiera emergido de una carrera más dilatada; entre ellos, míticos como Neil Young, Paul Mc Cartney, Jimmy Page o Bob Dylan, quienes alabaron su primer trabajo titulado "Grace". Otros como Pj Harvey o Rufus Wainwright optaron por dedicarle un tema al cantautor americano.

Canciones que abrazán la melancolía. Guitarras que reclaman libertad. Voces tímidas y en otros momentos rabiosas, pero VOZ única e inconfundible.
Himnos como "Haleluyah" de Leonard Cohen, que tan sabiamente por los críticos versiono Buckley consiguiendo hacer una obra maestra definitiva.

A la edad de 30 años y cuando preparaba su segundo álbum, Jeff Buckley fue encontrado cinco días después de su muerte a las orillas de Beale Street, cuna del blues.

"Grace" consigue ser de esos discos por los que el tiempo no pasa, a donde uno acude cuando quiere escuchar lo más primitivo de grupos como Radiohead o Muse.

Lo negativo de Buckley (por buscar la imperfección) son el reducido número de canciones con las que podemos disfrutar; en el otro lado, son canciones de naturaleza eterna, esas que uno desconoce que tienen, pero que permanecen impasiblemente atractivas ante el paso del tiempo y de su escucha.

Diarios de Rodaje: La Tama

Siempre son suculentas las ofertas de cortos como primero de dirección. El stress en rodaje es mi pasión. Quizás este llego demasiado apresurado por los pocos días de preparación. Pero es ahí es donde están los retos.

Unos días después del fin de rodaje, uno se da cuenta de la aventura que es cada rodaje y de lo pirados que somos metiéndonos en convivencias de 14 horas diarias, en este caso, sin apenas conocer al resto del equipo.

Es ahí cuando asumes que el cine es una droga, gracias a un equipo que te estimula día a día en pequeñas dosis. Experiencias de 7 días que le hacen a uno creer en el cine como un equipo humano unido, como un mecanismo que cuando se engrana es todo placer y diversión.

Como decía Arantxa (dire de producción), con unas actrices de Goya y unos técnicos de sobresaliente, el rodaje se convierte en una experiencia de goce y buenas relaciones. La Tama comienza ahora su proceso de postproducción y he de admitir que entre secuencia y secuencia los poquitos planos que podía ver en el combo marcan hacia un final redondo tras un rodaje formidable. Ahora el dire Martín Costa organizará y compondrá una nueva peli (¡¡¡qué material tenemos!!!)

Hasta el sol estuvo de nuestro lado con los exteriores, cuando en Madrid, al día siguiente el cielo descargó todo el agua acumulada. Ni siquiera el yonki del barrio nos amedrentó ante tantas localizaciones y personajes en set. Pero claro, con ayudantes como Azahara, Marta o Sergio uno sabe ya que todo saldrá adelante y de la mejor manera. Y que decir del resto de compañeros, cuando uno consigue que se arranquen risas en rodaje sin perder el ritmo de planificación es que todo va sobre ruedas... a pesar de los cambios navideños que a nuestra superalmu casi superan (y lo que nos hemos reído después, con la niñas vestidas de pastoras y las educadoras navideñas).

Y a las actrices, pacientes y con una interpretación que nos embobo por momentos a todos. A nuestro productor que sin él el tiempo se nos habría echado encima o no conoceriamos los secretos más ocultos del guión :p


Porque vengan más proyectos así.

Una película por rodar: NO HUNGER

Hacía tiempo que no encontraba una campaña tan inteligentemente propuesta. Pero este hecho queda en segundo plano cuando lo que se destaca es su intención: acabar con el hambre en el mundo.

Con el título, pideselo a Al Gore, se están rescatando firmas para pedirle al premio nobel y ganador del oscar con su anterior film, la posiblidad de utilizar su poder mediático rodando una película que clame por acabar con la pobreza mundial.

No quiero explayarme en esta artículo, solo quiero que firméis aportando el granito de arena que puede mover las conciencias del mundo de una manera nunca vista.

NO HUNGER,

http://www.pideseloaalgore.org

Dime que escuchas y te diré como eres

Un estudio de una universidad escocesa ha puesto en conexión los estilos musicales con la forma de ser de cada uno.
Es curioso ver las conclusiones a las que se ha llegado. Para mi salvación diré que adoro prácticamente la totalidad de los géneros con lo que me será difícil sacar una conclusión sobre mi forma de ser :p

Según esta investigación los amantes de la música indie tienden a tener baja autoestima y curiosamente los amantes del Heavy tienden a ser personas suaves y calmadas. En este último caso, se dice que las baladas pertenecientes a este género son las mejores del mundo, quizá este sea el motivo de tal "delicadeza y calma".

Los más creativos los amantes del Jazz y de la música clásica. Se les asocia con alta autoestima aunque los primeros tienden a ser más extrovertidos que los seguidores de lo clásico. El country es de personas trabajadoras y con energía. De todos los géneros el que más autoestima y creatividad tiene es el Blues.

Como último dato relevantes de este estudio y aunque yo no lo vea muy claro, el escuchar música alta o machacona significa pertenecer a una clase con mayor poder adquisitivo con respecto a los que los que la escuchan a menor volúmen o sin elementos electrónicos. La comparación (que hacen ellos) sería buen en la gente que monta deportivos y lleva la música muy alta, pero no tendría sentido si comparamos al típico bohemio de visa oro que escucha opera en su casa con el poligonero que trabaja en la obra y cuyo coche tuneado muchas veces va antes en su lista de preferencias adquisitivas que el tener una casa propia.


Si os animáis a colaborar, aquí podeis realizar el test

http://www.peopleintomusic.com

Risas eternas en Blanco y Negro. Charlot en Madrid

Hasta octubre el Caixa Forum de Madrid nos deleita con un genio. Charles Chaplin en estado puro.
Es curioso ir a un museo donde el silencio que tanto defendió este actor, director, productor y guionista se vea interrumpido por risas. La comicidad reina en la sala y las carcajadas son la muestra del arte de los primeros compases del cine.

Desde sus primeros filmes para la Keystone, pasando por las obras que hizo junto a la productora United Artist (que fundó con David W. Griffith y Douglas Faribanks), hasta sus inevitables films sonoros. Una retrospectiva completa y donde la magia del blanco y negro inunda las pantallas.

Inicios rebeldes, donde Charlot casi por casualidad se enfundó una sombrero, bastón y bigote que en su segundo cortometraje ya le hicieron ver que había compuesto un personaje internacional y que pasaría la historia. En sus primeros compases, sin perder la fuerza de la comedia, Charles Chaplin era irreverente y hasta cierto punto agresivo. Conforme fue ganando peso en la autoría de los films en los que participaba, aliño sus películas con mayor ternura, incluyó a personajes femeninos para implementar dosis de romanticismo y brotó la pantomima en un físico de atleta enmascarado.

Fue referentes de muchos artistas de vanguardia y con su imagen en los años 30 ya se había creado un nuevo icono del siglo XX. Absurdamente se le negó en los 50 el visado para seguir trabajando en EE.UU, acusado por la retrógrada Comisión de Actividades Antiamericanas que tanto daño hizo a muchos directores de la época. Fue la llamada Caza de Brujas, que aunque en su caso no tuvo consecuencias de acusación directas, le obligó a hacer las maletas y marchar exiliado a Suiza.

Paradójico cuando menos, Charles Chaplin y un puñado de europeos fueron los que crearon el éxito del cine, hoy llamado Hollywood.

Imprescindible exposición de una de las leyendas del séptimo arte. Sirva de ejemplo una de las secuencias que más destacan de la selección de proyecciones (amén de fotografías y numerosos documentos) de Chaplin del Caixa Forum,

Charlot boxeador - Luces de la ciudad.